Agnès Limbos (Gare centrale) vient du théâtre d’objet, Thierry Hellin (Une Compagnie) du théâtre de texte. Dans Axe ils testent sur scène l’alchimie de leurs deux univers.
Leurs réflexions se sont portées, entre autre, sur la notion de sacrifices ou comment certaines personnes deviennent les sacrifiés de multinationales religieuses, économiques ou politiques. Pour répondre à la déraison du monde dans laquelle l’humanité se perd, un homme et une femme entrent en scène. Si la narration se tisse entre les tableaux, c’est sans linéarité et sans logique palpable, à l’instar du théâtre de l’absurde. Quelque part, hors temps, dans un huis clos au décor bourgeois, un couple de décadents s’envoie des dialogues (en français, en anglais, en russe, en sabir…) infinis et sans queue ni tête. Le langage du corps comme celui des mots se décale, hors de notre communication «habituelle», comme un miroir de notre société en perte de sens immédiat.

« Ce sont des dirigeants, peut-être des dictateurs », précise Agnès. « Ils sont complètement paranos, ils ont peur de sortir, peur de ce qui pourrait leur arriver dehors. Peut-être qu’il y a de la neige, ou la guerre, le chaos. Peut-être qu’il n’y a plus rien. Nous avons travaillé sur certaines références historiques, comme Hitler ou le couple Ceausescu. Il est aussi beaucoup question de sacrifice dans le spectacle : l’idée de se sacrifier soi-même ou les autres pour son propre bien-être. C’est une métaphore de notre société : je pense que le rôle du théâtre est de raconter le monde, et l’ampleur du mal-être actuel. »

Propos recueillis par Estelle Spoto dans Le Vif L’Express n°34

Pour quelles raisons avez-vous porté à la scène Histoire de la violence ?

L.H. : J’ai ce projet en tête quasi depuis la sortie du livre. Je connaissais alors Edouard Louis grâce à Didier Eribon, l’auteur de Retour à Reims. Je l’ai dans un premier temps laissé de côté car je ne savais pas quel langage scénique adopter pour capter toute l’amplitude et la complexité du texte. Avec des scènes de violence comme des boucles répétitives, fragmentaires, le récit provoque une sensation d’effroi. Edouard y raconte sa rencontre un soir de Noël avec Reda, Place de la République. Il le fait monter chez lui, et ce qui a commencé comme une belle histoire se termine par une agression et un viol. Le lendemain ont commencé les difficiles démarches médicales, policières et judiciaires, qui ouvrent des débats à la fois intimes, sociaux et politiques. C’est en compagnie d’Emma Gustafsson, issue de la danse contemporaine et aussi comédienne, que j’ai élaboré l’adaptation. Nous avons façonné un théâtre charnel, où parfois les mots se taisent pour laisser place au mouvement des corps.

Est-on dans un théâtre de l’incarnation ?

L.H. : Pas seulement. Divers modes de jeu s’entrelacent, avec des temporalités différentes, des narrations fragmentées, des ruptures, des moments incarnés, mais aussi réflexifs, lors desquels la pensée se livre, ce qui peut s’avérer tout aussi émouvant qu’une situation jouée. La pièce commence par une mise en abyme, lorsque Edouard derrière une porte écoute sa sœur raconter à son mari le récit qu’il lui a livré la veille, dans sa langue à elle. Nourrie de toutes ces voix, d’approches multiples, de tensions et de failles, la pièce apparaît comme un miroir brisé reflétant les désirs et les violences. »

Propos recueillis par Agnès Santi, Journal La Terrasse

De tous les épisodes de la mythique émission de télévision Strip-tease, le plus fameux est « La Soucoupe et le perroquet ». Il raconte les aventures de Jean-Claude, qui construit une soucoupe volante dans son jardin pendant que Suzanne, sa mère, pleure son perroquet mort. Valérie Lesort et Christian Hecq se sont inspirés de ces personnages hauts en couleurs, de leur environnement et de leurs relations pour composer le fond narratif de leur spectacle. On y découvre Odette (toujours géniale Christine Murillo), qui partage sa caravane avec Charlie, la chienne, et vit de la récolte des radis, et Robert, apprenti sorcier foldingue qui met au point, dans le garage transformé en laboratoire, sa machine à téléportation. Malgré quelques égarements spatio-temporels où pointe déjà l’effroi (éventration de Charlie et disparition de la voisine, Marie-Pierre, victime d’une désintégration atomique trop hâtive) les deux premiers tiers du spectacle relèvent d’une farce désopilante et poétique où les trouvailles scéniques rivalisent d’ingéniosité et de cocasserie. Le drame et la gravité viennent après.

Théâtre de rire et d’épouvante
Car Robert, comme le héros de La Mouche, de George Langelaan, découvre trop tard qu’une mouche est entrée avec lui dans la capsule à téléportation et qu’ils ont subi une agglutination moléculaire qui les a confondus en un seul être : Robert est désormais une mouche géante. Comme toutes les mouches, il peut se déplacer sur des surfaces verticales, se nettoyer les yeux avec ses pattes antérieures, il excrète de la salive sur sa nourriture, la prédigère avant de la réabsorber et a un penchant certain pour la charogne décomposée ! Christian Hecq explore avec un éblouissant talent les possibilités de son devenir-insecte et passe avec brio du benêt initial au monstre inquiétant de la fin du spectacle. Prouesse remarquable : l’horreur s’installe progressivement et l’on n’a pas encore tout à fait terminé de rire que l’on commence à frémir de peur. Les comédiens (Christian Hecq, Valérie Lesort, Christine Murillo et Stephan Wojtowicz) sont excellents et réussissent admirablement à faire une tragédie terrifiante de ce qui semblait a priori une farce gore. Valérie Lesort et Christian Hecq transforment brillamment le Grand-Guignol en grand théâtre !

Article de Catherine Robert pour le journal La terrasse

Le 2 décembre 2019, trois classes (1TPCM, 2GSO, 2GCG) sont allées voir la pièce « Le courage » au Escher Theater. Le thème était les inégalités, surtout celles entre hommes et femmes, et le courage que nous, les filles, nous devons avoir, parfois, pour nous affirmer.
Il y avait quatre actrices avec des histoires différentes de combat : ainsi, une employée de Nestlé qui s’est battue pour révéler que la multinationale vendait des produits qui avaient causé la mort d’une vingtaine de bébés (histoire vraie) ; une Africaine parlait de la lutte d’un athlète noir pour s’imposer face aux Américains et au racisme en général ; une femme essayait de fuir les violences que lui faisait subir son mari, une autre culpabilisait de son manque de courage devant une agression dont elle avait été le témoin.
Ces histoires étaient vraiment touchantes, et nous ont ouvert les yeux. Nous avons pu nous reconnaître dans certaines situations. Même si les sujets étaient sensibles, tristes et parfois tragiques, il y avait des moments très drôles, provocateurs même, qui nous ont bien fait rire.
Après la pièce, nous avons pu poser des questions au metteur en scène, une femme justement, et aux quatre comédiennes. La conclusion de cet échange, c’est qu’il faut se battre pour s’affirmer, ne pas se laisser manipuler. C’est cela, le courage.

La classe de 2GCG

TEASER

Ainsi nommé par Yoann Bourgeois parce que le lieu [La Scala à Paris] même l’a inspiré, Scala se déploie dans un dispositif qui reprend le bleu choisi par Richard Peduzzi pour habiller le théâtre. Soit un espace domestique revisité par les surréalistes : des portes à la Magritte – qui grincent -, un escalier central qui s’élance vers l’infini, un lit qui bascule et se redresse, un coin salon avec des tableaux qui ne tiennent pas en place, des chaises et une table qui se déforment et se reforment à l’infini. Mais aussi de chaque côté de l’escalier deux trampolines qui donnent des ailes au mouvement. Sept interprètes – cinq hommes et deux femmes – habitent et parcourent cet espace : avec une fluidité qui ne doit rien au hasard, ils effectuent et répètent mécaniquement quasi les mêmes trajectoires imposées par des réactions en chaîne, soumises à un automatisme qui éclaire autant une impossible issue heureuse que l’entêtement humain à essayer encore et encore. « Essayer. Rater. Essayer encore. Rater encore. Rater mieux. » disait Samuel Beckett…

Obstination à vivre

Captifs d’un mouvement permanent, d’une partition ponctuée de subtiles variations, ils chutent, se relèvent, disparaissent dans des terriers qui les engloutissent, réapparaissent, se suivent, se dédoublent, s’élancent, s’affaissent… Après Celui qui tombe (2015), qui imposait aux interprètes la contrainte d’un sol perpétuellement mouvant, Yoann Bourgeois poursuit ici sa quête du « point de suspension », d’une théâtralité singulière, à la fois circassienne et chorégraphique, où les « acteurs-vecteurs » sont manipulés et agis par les forces qui les traversent. Les hommes et femmes se confrontent à une somme de machines, qui chacune relie un objet du quotidien à un mécanisme qui détraque habitudes et confort. Yoann Bourgeois relève que la relation entre le corps et les forces physiques qui le contraignent est « une source inépuisable de drame ». Certains moments sont plus évocateurs que d’autres. Parfois l’humour s’en mêle, comme lorsque le balai s’attaque à une multitude de doigts qui sortent de trous. Parfois un changement de costumes nous alerte sur la précarité de l’humanité. C’est surtout dans l’effort et l’insistance de ces êtres assujettis que la pièce, quoiqu’inégale, est touchante. Dans leur obstination à vivre. L’aventure théâtrale des corps en mouvement est un périple mental que chacun appréhende à sa guise…

Article de Agnès Santi pour le journal La Terrasse.
© photo : Géraldine Aresteanu

Cambrioler une banque ne va pas sans danger ni, partant, sans courage. Ce n’est pas moral pour autant, ou du moins il faudrait des circonstances bien particulières (concernant spécialement les motivations de l’acte) pour que cela puisse le devenir. Comme vertu, au contraire, le courage suppose toujours une forme de désintéressement, d’altruisme ou de générosité. Il n’exclut pas, certes, une certaine insensibilité à la peur, voire un certain goût pour elle. Mais il ne les suppose pas nécessairement. Ce courage-là n’est pas l’absence de peur : c’est la capacité de la surmonter, quand elle est là, par une volonté plus forte et plus généreuse. Ce n’est plus (ou plus seulement) physiologie : c’est force d’âme, face au danger. Ce n’est plus une passion : c’est une vertu, et la condition de toutes. Ce n’est plus le courage des durs : c’est le courage des doux, et des héros.
(…)
La peur paralyse, et toute action, même de fuite, s’en arrache quelque peu. Le courage en triomphe, du moins il s’y essaie, et il est courageux déjà d’essayer. Quelle vertu autrement ? Quelle vie autrement ? Quel bonheur autrement ? Un homme à l’âme forte, lit-on chez Spinoza, «s’efforce de bien faire et de se tenir en joie» : confronté aux obstacles, qui sont innombrables, cet effort est le courage même.
(…)
Pour le reste il faut rappeler que le courage n’est pas le plus fort, mais le destin ou, c’est la même chose, le hasard. Le courage même en relève et y reste soumis. Pour tout homme, il y a ce qu’il peut et ce qu’il ne peut pas supporter : qu’il rencontre ou non, avant de mourir, ce qui va le briser, c’est affaire de chance au moins autant que de mérite. Les héros le savent, quand ils sont lucides : c’est ce qui les rend humbles, vis-à-vis d’eux-mêmes, et miséricordieux, vis-à-vis des autres. Toutes les vertus se tiennent, et toutes tiennent au courage.

Source :
Petit traité des grandes vertus
André Comte-Sponville
© Point, 2014

Catherine, comment as-tu découvert ces quatre autrices ?

Tous les ans en France, la SACD* organise un évènement qui s’intitule « Les intrépides ». La SACD choisit plusieurs autrices et passe une commande pour des textes courts sur une thématique qui change tous les ans. En 2017, la SACD m’a demandé de piloter cet évènement, le thème choisi était « le courage » et j’ai demandé à ces autrices d’écrire des monologues afin que l’on puisse avoir une idée de ce que représente le courage aujourd’hui, du point de vue de ces femmes.

Quatre textes présentant autant de formes de courage : pourquoi, dans le titre, Le courage est-il mis au singulier ?

Parce que c’est un concept universel. Le courage se manifeste de différentes façons mais quel que soit le contexte qui déclenche l’acte de courage, toutes ces situations ont un point commun : le dépassement de soi-même. Le courage permet de supporter sans fléchir les épreuves de tout ordre que la vie nous impose. Jankélévitch dit cette phrase que j’aime beaucoup : « Il faut commencer par le commencement. Et le commencement est le courage ».

Les textes évoquent parfois des situations très difficiles, quelle posture as-tu choisi de prendre pour les aborder ?

L’unité c’est le courage féminin. Comme il y a plusieurs formes de courage, nous les traitons de façons différentes. J’affronte certains sujets de plein fouet, sans artifice, avec toute la gravité et l’émotion nécessaire, d’autres textes sont traités avec légèreté parce que parfois, il est utile de dédramatiser, c’est ça aussi le courage, d’autres passages encore, sont chantés. Quand Gainsbourg écrit Les bleus, la musique permet de mettre une distance avec la violence.

Quelle est ta méthode de travail ?

Je suis percutée par un texte ou je rencontre quelqu’un ou je vois quelque chose qui me choque, m’indigne, me touche.
Mon questionnement sur le courage a été déclenché par la mort de la philosophe Anne Dufourmantelle qui s’est jetée à l’eau pour sauver un enfant en difficulté au large. Elle s’est noyée. Elle avait écrit en 2011 L’éloge du risque et certains ont pris la parole pour dire « qu’elle n’aurait pas dû risquer sa vie », « elle aurait dû penser à ses enfants et ne pas y aller ». Pour certain, c’était un acte irresponsable, pour moi c’était un acte de courage phénoménal. J’ai commencé à me demander « qu’est-ce que le courage aujourd’hui ? »

Ensuite, je glane de l’information, je regarde des documentaires, des interviews, je lis, je cherche à enrichir ma réflexion puis une fois « nourrie », je laisse infuser. À un moment l’idée pointe. Je tire sur le fil et de ces recherches émergent des images, des sons, qui vont prendre forme dans ma tête. Je vais ensuite discuter avec mes collaborateurs : scénographe, éclairagiste, pour inventer, structurer puis construire un univers. Il s’agit ensuite de diriger les comédiens pour qu’ils s’approprient les textes et que leurs corps s’épanouissent dans l’univers proposé.

*Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques

Créé en début d’année au Festival Suresnes Cités Danse, le spectacle La finale de Josette Baïz ouvre la saison du Escher Theater en orchestrant un métissage de danses joyeux et débridé, pour déplacer les frontières chorégraphiques et relever les talents singuliers de six excellents interprètes.

Quelle a été votre réaction quand Olivier Meyer vous a commandé une création ?

C’est pour moi très agréable de retrouver ce milieu et ces danseurs. A l’audition, j’ai été de surcroît impressionnée par leur évolution technique. Quand j’ai débuté avec la compagnie Grenade, il y a 25 ans, nous avions beaucoup travaillé le hip hop car c’était la pratique la plus courante chez les garçons des quartiers, mais nous restions très ouverts aux danses métissées. Récemment, nous nous consacrons plutôt aux techniques du contemporain. J’ai repéré à l’occasion de cette commande nombre de nouvelles danses, avec un travail au sol affûté et une fluidité étonnante.

Quelles sont les qualités que vous avez privilégiées en choisissant vos danseurs ?

Ils sont très virtuoses, très pointus, chacun dans leur technique : pop, krump, old style, new style, house, dance hall… J’essaie de les sortir de leur zone de confort en leur apprenant le métissage propre à Grenade. Ce n’est pas du collage au sens où chacun s’exprime de manière aboutie dans son style et doit se confronter à la technique de l’autre. Tout le monde doit faire des claquettes, même en baskets, y compris les krumpeurs. Ce qui revient, pour eux, à trahir leur communauté. Mais tous l’acceptent, avec beaucoup de gentillesse, même si c’est un énorme travail. Je sens une belle énergie, beaucoup de plaisir. J’ai dû choisir instinctivement des gens qui ont une énergie très positive. C’est une très bonne équipe.

Comment se passe la création avec le compositeur Thierry Boulanger ?

Je ne le connaissais pas, c’est Olivier Meyer qui me l’a proposé. Thierry Boulanger façonne une écriture musicale très cinématographique, très profonde, qui crée un décalage avec le plateau. Cette commande est un projet jubilatoire et dynamique. Au sein de cette rencontre, nous amenons de la pulsation et de l’humour, du mouvement et de la fantaisie.

Propos recueillis par Agnès Izrine pour le journal La Terrasse.
© photo : Cécile Martini

La chorégraphe Simone Mousset a accepté d’être la première artiste associée au Théâtre d’Esch. Au fil des trois prochaines saisons, le public pourra découvrir trois de ses spectacles (dont deux créations) mais aussi participer à plusieurs projets qui lui feront découvrir la danse contemporaine.

« Je trouve chouette de voir la dynamique et les nouvelles idées qui soufflent sur le Théâtre d’Esch. Cela me motive d’être de la partie. Et puis, le courant passe bien avec la directrice Carole Lorang », confie la jeune femme qui est née à Canach mais qui a aussi des origines dans le sud du pays. « La Maison Mousset vient du côté de mon grand-père », dit-elle quand on l’interroge sur son lien avec la ville.
Mais est-ce bien vrai ? Après tout, Simone Mousset a inventé l’histoire de la création du premier Ballet national folklorique du Luxembourg par les sœurs Bal dans les années 60. Son spectacle documentaire, intitulé «Bal», était tellement bien conçu qu’il était difficile de ne pas tomber dans le panneau ! Derrière cette mystification, elle voulait soulever la question du Nation Branding. Cette première pièce d’envergure lui a valu d’être la lauréate du Lëtzebuerger Danzpräis en 2017. Elle sera recréée à Esch en 2020. On est curieux de voir le résultat, sachant que désormais le public sait à quoi s’en tenir.
Simone Mousset aime jouer avec le public pour l’emmener là où il ne pensait pas aller. La danse est pour elle « une manière de construire des mondes imaginaires qui questionnent notre rôle dans le monde d’aujourd’hui, en tant qu’individu et société ». Comme ingrédients pour pimenter ses spectacles, elle se sert de l’humour, du bizarre, du surréel. Une tambouille très personnelle aux saveurs surprenantes, teintées de folklore et ramenées des nombreux pays où elle a vécu.

À 30 ans, elle vit « comme une tzigane » avec son mari qu’elle a connu en Sibérie et ses deux petits enfants qui ont déjà bien exploré la planète. C’est à Londres que l’artiste s’est formée à la danse classique et contemporaine (Laban, Royal Academy of Dance, London Contemporary Dance School/EDge) avant de travailler pour des compagnies en Angleterre, Russie, Liban, Allemagne, et Luxembourg. En 2014, elle a créé au Luxembourg « Their Past », une pièce qui fait dialoguer la danse contemporaine et le folklore. Puis il y a eu « Impressing the Grand Duke » en 2016, dans laquelle elle s’affirme comme artiste « émergente ». Avant la consécration de Bal en 2017. The Passion of Andrea 2, spectacle né lors de sa participation au TalentLAB au Grand Théâtre de Luxembourg en 2016, s’annonce pour cet automne.
Simone Mousset est pédagogue de danse qualifiée et se dit curieuse de réfléchir à une manière de faire découvrir la danse contemporaine au public de manière « sympa et amusante ». Comment ? Elle cogite encore… laissons-nous donc surprendre !
Son association avec le Théâtre d’Esch va lui donner l’occasion de passer un peu plus de temps au Luxembourg, même si cela ne l’empêchera pas de continuer à sillonner le monde. Entre autres, elle contribue au programme culturel du pavillon luxembourgeois à l’Exposition universelle de Dubaï en 2020.